Trent Reznor & Atticus Ros · Queer (Original Score)

Hay colaboraciones que producen resultados predecibles —dos nombres conocidos, un proyecto que suma las expectativas de ambos sin superarlas— y hay colaboraciones que generan algo que ninguno de los participantes podría haber conseguido por separado, que revelan en cada uno una dimensión que el contexto habitual de su trabajo no permitía ver. La colaboración entre Trent Reznor y Atticus Ross pertenece a esta segunda categoría desde su inicio, y su trabajo para Queer —la adaptación cinematográfica de la novela de William S. Burroughs dirigida por Luca Guadagnino, estrenada en 2024— es quizás su expresión más arriesgada y más lograda hasta la fecha.

Reznor y Ross llevan más de una década construyendo uno de los cuerpos de trabajo más consistentes e influyentes de la música de cine contemporánea. Su colaboración con David Fincher —The Social Network en 2010, The Girl with the Dragon Tattoo en 2011, Gone Girl en 2014— estableció un lenguaje de score que combinaba la precisión electrónica de Nine Inch Nails con una comprensión sofisticada de cómo la música puede operar sobre la imagen sin ilustrarla, creando atmósferas que amplifican la tensión emocional de la escena sin declararse como el mecanismo que lo hace. Sus colaboraciones posteriores —Watchmen para HBO, Mank, Soul de Pixar, Women Talking— demostraron que ese lenguaje era adaptable a contextos completamente distintos sin perder coherencia: podían hacer jazz luminoso y electrónica oscura y música orquestal dramática con la misma fluidez porque lo que los define no es un sonido específico sino una filosofía específica sobre la relación entre el sonido y la imagen.

Burroughs es un territorio diferente, y saber eso importa para entender lo que Reznor y Ross hicieron con él. Queer —escrita en los años cincuenta pero publicada en 1985— es una obra de una vulnerabilidad y una desnudez emocional que sorprende a quien llega a ella desde la reputación de transgresión y provocación que rodea al autor de Naked Lunch. Es una novela sobre el deseo no correspondido, sobre la humillación de querer a alguien que no te quiere, sobre el aislamiento del expatriado americano en Ciudad de México buscando conexión en los lugares donde la conexión más cuesta. Hay en ella una ternura que Burroughs raramente se permitía en público, y esa ternura es también el corazón de la película de Guadagnino —cineasta que ha demostrado con obras como Call Me by Your Name y Bones and All que nadie en el cine contemporáneo maneja el deseo y la pérdida con mayor gracia visual— y de la partitura que Reznor y Ross construyeron para ella.

La arquitectura del score refleja esa tensión central entre la ternura y la oscuridad con una precisión que es también una interpretación de la novela. El disco arranca con “Vaster Than Empires” —el tema de los créditos finales pero elegido como apertura del álbum, inversión que convierte la escucha del disco en una experiencia diferente a la de ver la película— donde vocales procesadas en autotune se mueven entre oleadas de sintetizador y cuerdas en una textura que es simultáneamente etérea y densa, bella y perturbadora, exactamente en el umbral entre el comfort y la incomodidad que define la experiencia emocional de la obra de Burroughs. No es una apertura fácil ni una declaración de intenciones convencional: es una inmersión inmediata en la temperatura específica del mundo que Reznor y Ross construyeron para esta película.

“Pure Love” —el tema central, el que más directamente corresponde a la vulnerabilidad emocional de William Lee, el protagonista— es uno de los momentos más inesperados de la carrera de Reznor y Ross como compositores de cine. Los arreglos de maderas suaves, casi infantiles en su delicadeza, construyen una melodía que tiene la fragilidad de algo que podría romperse con demasiada atención. Es un tema que no suena a ninguna otra cosa en el catálogo de los dos compositores, y esa diferencia no es gratuita: Guadagnino necesitaba que la música hiciera audible el interior de un personaje que Burroughs construyó con una economía de exposición emocional que en la página funciona perfectamente y que en la pantalla requería una traducción sonora de igual precisión. “Pure Love” es esa traducción: la vulnerabilidad de Lee externalizada en maderas que suenan como si fueran a detenerse en cualquier momento.